La Zamarra de Gustavo: Discografía

A Víctor Jara

Sat, 29 Sep 2007 11:48:50 GMT

Título

A Víctor Jara

Intérprete

Raimon

T'he conegut sempre igual
Molt lluny
Só qui só (Joan Timoneda, Segle XVI)
Una vaca amb un vedellet en braços (Pere Quart)
No em pren així com al petit vailet (Ausiàs March, Segle XVI)
Lo jorn ha por (Ausiàs March, Segle XVI)
Amanda (Víctor Jara; versió catalana: Raimon)
Morir en aquesta vida
Si en lo mal temps (Joan Roís de Corella, Segle XVI)
Amb tots el petit vicis
Com un puny

1974
Letras escritas por Raimon, excepto donde se especifica.
Toda las canciones compuestas por Raimon, excepto 7, por Víctor Jara.

Comentario. En 1974, a forma de tributo, Raimon llamó a su disco A Víctor Jara, aunque no haya ninguna canción escrita por Raimon en la que se reivindique su memoria o denuncie su asesinato: se trata de un sencillo homenaje basado en el título y en la versión de una de las canciones de Víctor Jara.
No obstante, éste tampoco es un disco muy político, pero en realidad los discos de Raimon en estudio no eran tan políticos como el público piensa; no así como ocurría generalmente con sus discos de conciertos. Es uno de los discos clásicos de Raimon: en donde se mezclan sus letras con las de poetas catalanes de la Reanixença, del siglo XVI, y de otros más contemporáneos. Lo que le dota de excepcionalidad es la versión de una canción de otro cantante, raro en él.
Influenciado por Paco Ibáñez, Raimon comenzó desde temprano a poner música a las obras maestras de la poesía catalana contemporánea y clásica con el fin de dar a conocer la gran cultura literaria de los Països Catalans. Entre las canciones de los poetas clásicos vemos poemas de amor cortés de Joan Timoneda, del Cançoner Flors d'enamorats, como "Só qui só" (cat. moderno "Soc qui soc", cast. "Soy quien soy") y de Joan Roís de Corella "Si en lo mal temps" (Si en el mal tiempo); también reflexiones filosóficas de su preferido, Ausiàs March, "No em pren així com al petit vailet" (No me sucede como al pequeño paje) y "Lo jorn ha por" (El día tiene miedo), que representan las corrientes de pensamiento en los tiempos del Renacimiento y que poseen una gran belleza lírica.
Respecto a poetas más contemporáneos, en este disco sólo incluye una musicación de un poema de Pere Quart (Joan Oliver): "Una vaca amb un vedellet en braços" ("Una vaca con un ternerillo en brazos"), que es una curiosa nana en la que la vaca le cuenta a su hijo que debe hacerse fuerte para lo que le espere: la paz como manso o la muerte en el ruedo, para lo cual debe hacerse fuerte.
La otra canción que no es escrita por Raimon es "Amanda", que es la versión catalana de "Te recuerdo Amanda" de Víctor Jara, a la cual Raimon ha adaptado la letra al catalán respetando siempre el texto original y su sentido. De esta manera y junto al título del disco, hace Raimon su particular, sencillo y más sentido homenaje al cantante chileno, asesinado por el régimen homicida de Pinochet. Lejos de optar por la denuncia, la reivindicación y la llamada a la venganza explícita que en otros homenajes al cantante harían gente como Manuel Gerena o José Antonio Labordeta, Raimon decide hacer esto de la manera más simple y honesta posible al homenajear a Víctor Jara mediante esta versión de una de las canciones más emblemáticas y sociales del artista chileno.
Entre las canciones escritas por Raimon hay de todo. Abre el disco "T'he conegut sempre igual" ("Te he conocido siempre igual"), canción dirigida a Gregori López i Raimundo, un histórico miembro de la lucha antifranquista militante del PSUC, en la que le cuenta que "somos más de los que dicen y quieren". Junto a ésta, Raimon mezcla el tema político con sus reflexiones vitales propias como la nostalgia de otros días presente en "Molt lluny" ("Muy lejos"), recordando las noches con los amigos en Játiva (Xátiva); "Morir en aquesta vida" ("Morir en esta vida"), un homenaje al poeta Maiakowski; y "Amb tots els petits vicis" ("Con todos los pequeños vicios"), siguiendo el más puro estilo de los poetas clásicos, en la que une la reflexión política y la reflexión vital al fenómeno de crecer e ir saliendo de la adolescencia. Cierra el disco una canción que Raimon personalmente considera la mejor de su carrera: "Com un puny" ("Como un puño") es una canción que, también bastante influenciado por March, está dedicada a Anna Lissa, su esposa y gran amor, que es italiana; habla de la separación breve ocasionada por las visitas a su país de Anna Lissa y el pensar en el reencuentro esperanzado.

Canciones póstumas

Sun, 16 Sep 2007 20:08:30 GMT

Título
Canciones póstumas
Intérprete
Víctor Jara

Manifiesto (Víctor Jara)
Caicaivilu (Víctor Jara)
Cuando voy al trabajo (Víctor Jara)
Homenaje a Víctor Jara (M. A. Cherubitos): interpretada por Eulogio Dávalos y M. A. Cherubitos
Aquí me quedo (Pablo Neruda/ Víctor Jara/ Patricio Castillo)
Doncella encantada (Víctor Jara)
Pimiento (Víctor Jara)
Homenaje a Víctor Jara (J. A. Labordeta): interpretada por Labordeta

arreglo de las canciones de Víctor Jara por Patricio Castillo
año de grabación: 1973
año de edición española: 1975

Comentarios. Canciones póstumas se trata de un bello, aunque breve, disco que reunía algunas de las últimas canciones que el inmortal Víctor Jara estaba preparando en 1973 antes de que el asesinato interrumpiera su carrera para siempre, aunque no su estela.Con los arreglos de Patricio Castillo, fue editado en el extranjero en 1974; esta edición es la versión española que apareció en 1975 de mano de la discográfica Movieplay-Gong, bajo licencia de Discap. Las canciones que nos presenta reflejan la mayoría la situación de Chile antes del fatídico golpe de estado que desembocó en una sangrienta dictadura, pero no de una manera pesimista, sino desde el optimismo y la solidaridad a la que este cantante nos tiene acostumbrado en sus trabajos. Encontramos canciones de amor y solidaridad como el bello "Cuando voy al trabajo", en la que se nos presenta el amor como el único horizonte que llena de esperanza y de ilusión una vida a veces muy dura; un hermoso poema con música típica de los Andes en "Pimiento"; mientras que "Aquí me quedo", compuesta sobre un poema del inmortal Pablo Neruda es la canción que más nos representa aquel Chile que luchaba por ser él mismo, a pesar de la dura oposición de los sectores más reaccionarios, sobre los que nos da pista en el verso inicial "Yo no quiero la patria dividida": es una calmada invitación a la lucha y al trabajo de todos. Nos abre el disco esa hermosura de canción llamada "Manifiesto", que, aunque tardía, pretendía ser la canción-manifiesto de la Nueva Canción Chilena: es un manifiesto inspirado por el hacer de Violeta Parra, la matriarca (de algunos madre) de todos los cantautores y grupos chilenos que aparecieron durante los años 60 y 70; "Manifiesto" expresa lo que Víctor Jara sentía al cantar, al escribir, para lo que debiera servir su canción, como aliento, como esperanza, no como divertimento o lujo: canciones que sirvan para esto, "no las lisonjas fugaces o las famas extranjeras".
Nos presenta también varios instrumentales de corte andino como "Caicaivilu" y "Doncella encantada". Finalmente, nos ofrece dos sorpresas que cerraban cada una las dos caras del disco original: se tratan de dos homenajes que llevan ambos por título "Homenaje a Víctor Jara", elegidos por la propia discográfica. El primero es un instrumental del argentino Miguel Ángel Cherubito, interpretado por él mismo y por el chileno Eulogio Dávalos, ambos compañeros de Víctor. El otro, como no podía ser de otra manera, es un homenaje emocionado que José Antonio Labordeta grabó para su LP del mismo año, en este sello, Tiempo de espera: "en quien hemos querido simbolizar a los cantantes que desde aquí, desde nuestra tierra, hacen que la canción sea un arma de conocimiento y de esclarecimiento de la verdad", reza la nota que encontramos en el LP.
Este disco no es hermoso porque fuera el último, el póstumo, de Víctor Jara, aunque esto sea un aliciente -innecesario- para su leyenda y su estrella: es hermoso porque es de Víctor Jara, y eso, sencillamente, es suficiente. Tengo este disco en las manos no por qué Víctor fuera masacrado por la injusticia, por la violencia, sino porque me gusta Víctor Jara, porque en sus canciones me siento hermanado con su pueblo, con todos los pueblos del mundo, porque alimenta mi esperanza y mi ilusión y me dice "no te rindas". Pero creo que lo explica mejor el párrafo final de la nota introductoria:
Todo ello constituye, o al menos a nosotros nos gustaría que constituyera, un testimonio y un recordatorio, un ejemplo y un símbolo, alejado por igual del oportunismo y la demagogia. Sólo quisiéramos que fuera aquello que Víctor Jara hubiera querido hacer.

El pueblo unido jamás será vencido

Sat, 15 Sep 2007 14:08:41 GMT

Título

El Pueblo unido jamás será vencido

Intérprete

Quilapayún

Con el alma llena de banderas (Víctor Jara)
Elegía al "Che" Guevara (Eduardo Carrasco)
Titicaca (popular; arreglada por Quilapayún)
El rojo gota a gota irá creciendo (Eduardo Carrasco-Horacio Salinas)
Chacarilla (popular; arreglos Illapu)
Compañero presidente (Eduardo Carrasco-Quilapayún)
Canción de la esperanza (Eduardo Carrasco)
La represión (Sergio Ortega)
El pueblo unido jamás será vencido (Sergio Ortega-Quilapayún)

1975

Comentarios. Aunque éste es el más conocido, por lo menos en España, en realidad se trata del 2º álbum de la formación folklórica chilena que recibe este nombre: el primero, editado en 1974, llevaba por subtítulo "Yhtenäista Kansaa Ei...", ya que la canción con que cierra este álbum y lo da nombre estaba interpretada junto al grupo finlandés Agit Prop. El pueblo unido... es el primer álbum que el grupo graba en el exilio tras el golpe de estado de Pinochet, desde su residencia en París, por lo que la carga emotiva y reivindicativa lo hace ser uno de los discos más llamativos y representativos de la banda. Aunque es un álbum eminentemente político, no faltan los arreglos sobre temas populares.
Abre el álbum la versión de una de las canciones más populares de su amigo, colega, ideólogo y compañero Víctor Jara, asesinado vilmente por los esbirros del general traidor; "El alma llena de banderas" era una balada que Víctor le dedicó al "Che" Guevara, pero que Quilapayún quiso utilizar para homenajear a su amigo cambiando un verso, y así, todo el sentido de la canción: allá donde Víctor decía "El que quemó tus alas al volar/ no apagará el fuego de los pobres", el grupo eliminaba ese "no" para dejar constancia de su denuncia. Otras canciones de protesta que encontramos es la llamada a la resistencia en "El rojo gota a gota irá creciendo"; el planto por la memoria al presidente de Chile Salvador Allende en "Compañero presidente", que constituye también una llamada a la resistencia; y finalmente "La represión", una balada de consuelo para la aplastada población de Chile.
Fuera ya de una intencionalidad política explícita, el grupo, siguiendo su línea de trabajo, incluye una canción popular arreglada por otro grupo folklórico, Illapu, "Chacarilla", una canción-baile tradicional de Bolivia. Pero también nos deleitan con tres instrumentales, dos políticos y uno folklórico. Los dos políticos son "Elegía al "Che" Guevara", cuya música nos transporta a, como dijo el poeta Eliseo Diego, "donde nunca jamás se lo imaginan", por sobre los Andes, acompañado del murmullo fúnebre que finalmente se convierte en canto de respeto, admiración y alabanza; el otro es "La represión, que consigue, como es la finalidad de todo instrumental, comunicarnos el sentimiento de dolor, denuncia y rechazo ante el abuso del poder dictatorial sobre el pueblo de Chile. Por su parte, "Titicaca" es la típica canción popular de corte indigenista a la que el grupo andino tenía acostumbrado a sus seguidores: un canto de alabanza al lago Titicaca. Y, finalmente, "El pueblo unido jamás será vencido", canción elaborada sobre aquel grito de guerra que estudiantes y trabajadores llevaban lanzando desde siempre en sus reivindicaciones en todo el mundo, con una letra de clara inspiración comunista; aunque la canción habla sobre la realidad chilena, fue adoptada por la oposición de todo el planeta allá donde hacían falta estas canciones, especialmente en España, en donde la oposición anti-franquista recibió con los brazos abiertos a los exiliados chilenos, reconociéndolos como hermanos.
En conclusión, este es un disco con una finalidad claramente combativa, en el que se mezclan la tristeza del exiliado, la rabia y el dolor ante la injusticia y el amor a la tierra de Chile; un disco que se puede resumir en el último verso que Víctor cantaba en esta canción que ellos adaptaron: "¡Venceremos!"

Cançons tradicionals

Sat, 08 Sep 2007 17:07:38 GMT

Título
Cançons tradicionals
Intérprete
Joan Manuel Serrat

El testament d'Amèlia
La presó del Rei de França
El comte Arnau
La cançó del Lladre
L'estudiant de Vic
La Dama d'Aragó
El ball de la civada
Cançó de batre
El rossinyol
La presó de Lleida

1967

Comentario. Cuando te cansas de leer que el colectivo Els Setze Jutges despreciaba el folklore catalán como fórmula de expresión, debido a la utilización que el régimen hacía de él para demostrar la cohesión de España a través de sus diferencias, y te encuentras con este álbum, uno de los primeros de Serrat, te das cuenta que conviene revisar los conceptos.
Cançons tradicionals es un álbum compuesto en su integridad por canciones tradicionales en lengua catalana, la mayoría de Cataluña, pero interpretadas sin ningún tipo de aditivo político, ni siquiera regionalista, a primera vista, como hizo Josep Maria Espinàs, uno de los fundadores e ideólogos de los Jutges, con la tonada de "El mariner" ("A la vora de la nit"). Por otro lado, no son interpretadas estas canciones al modo tradicional, sino que se les añade el acompañamiento normal que solía tener la música inicial de los cantautores de este colectivo, es decir, además de la guitarra de Joan Manuel, una pequeña orquesta dirigida por Salvador Gratacòs y con los arreglos de Antoni Ros-Marbà: 8 violines, 3 violas, 2 violoncelos, un contrabajo, 2 flautes, una flaute dulce, un clarinete bajo, oboé, cuerno inglés, fagot, 3 trompas, 2 trompetas, un trombón, una tuba, 2 fiscornos, tenora, tible, arpa, piano y percusión. El resultado es una música tranquila y agradable, a veces melancólica y otras alegre como contrapunto perfecto a la nostálgica voz de Serrat. El disco cuenta además, en su carpeta interior, con un resumen teórico de la canción tradicional catalana y notas a cada una de ellas escrito por Oriol Martorell.
Cançons tradicionals se puede considerar un disco de folk, en cuanto que se trata de la re-interpretación del cancionero tradicional y popular catalán, y no una simple interpretación al estilo de la música de raíz que por entonces había comenzado Joaquín Díaz con el cancionero castellano. Por otra parte, tampoco se trató de realizar una reinvención musical total de estas canciones, sino de añadirles un acompañamiento más sinfónico.
Encontramos en el disco canciones tradicionales y/ o populares catalanas de distintos tipos: romances históricos, canciones de trabajo, bailes campesinos, tonadas populares, con toda la sabiduría popular que esto conlleva.
Romances:
-"El testament d'Amèlia" es un misterioso romance histórico que nos cuenta la historia de una joven princesa que enferma de amor porque su marido le es infiel con la madre de ella. Según Martorell, por una palabra que se dice en el texto, la desafortunada princesa podría ser Mahalta o Mafalda, nombre que correspondía a la mujer de Ramón Berenguer, Cap d'Estopa, y a la hija de Ramón Berenguer III.
-"La presó del rei de França" cuenta, por su parte, el histórico apresamiento de Francisco I, primo de Carlos I, tras su derrota al intentar la invasión de España cuando disputaba con Carlos V su derecho de sucesión al Imperio Alemán. Se trata de una reinterpretación de los sentimientos del rey francés y de su esfuerzo para liberarse enviando un mensaje a su esposa para pagar el rescate. Esta canción viene acompañada por un acompañamiento musical victorioso y marcial, propio de las marchas militares y de las marchas reales.
-"El comte Arnau", una canción cuya supuesta antigüedad quedó rebatida por la investigación, narra por su parte, con un excelente aire medieval trovadoresco, cómo el fantasma del conde Arnau, muerto en batalla, visita a su esposa y mantiene un diálogo con ella, pidiéndola dejar que se llevara a una de sus hijas para mitigar el sufrimiento del otro mundo, penas que se las ganó bien en vida y que tendrá que pasarlas en soledad, como le sermonea la condesa. Este tema fue tratado en poesía por gente tan importante como Joan Maragall y Josep Maria Sagarra.
-"La dama d'Aragó" es, tal vez, a mi parecer, una de las mejores canciones del disco, y, por extensión, una de las que mejor interpreta Serrat. La información que ofrece Martorell no desvela la identidad de tan misteriosa y bella señora, salvo por un verso que dice que es hija del rey de Francia y hermana del de Aragón. El texto es de una belleza incalculable, dotando a la descripción de la esbelta dama los caracteres propios del sol, e insistiendo en el amor que despertaba en todo aquel que la rodeaba, incluido su propio hermano.
Canciones populares y de trabajo
Tomadas de aquí y de allá de la amplia geografía de habla catalana, Serrat nos canta algunas de las canciones más populares de Cataluña, todas ellas bien conocidas por etnólogos, etnógrafos y musicólogos:
-"La cançó del lladre" (la canción del ladrón) es una historia narrada en primera persona sobre un ladrón desde su más tierna y holgazana infancia. El refrán "Adiós clavel morenito, adiós estrella del día" se nos revela sólo al final, cuando nos cuenta que ha sido condenado a muerte, y la canción adquiere el sentido de ser una confesión de arrepentimiento voluntario ante lo inminente.
-"L'estudiant de Vic" (el estudiante de Vic) es una de aquellas tantas canciones que abundan en la música popular de todo el mundo, dirigidas a adoctrinar a las hijas con su moraleja final. Nos cuenta de cómo una viuda queda enamorada de un estudiante, con la oposición del padre de ésta, y queda embarazada de él, pero éste huye. La moraleja final venía a decir: "Niñas que venís al mundo, no os fiéis de gente de libros"; parece ser, por las notas de Martorell, que el estudiante era un tipo social de la Edad Media, que se debatía entre el mundo clerical y el seglar.
-"El ball de la civada", el baile de la cebada, es una canción de trabajo que después se transformó en baile en las fiestas que celebraban el final del tiempo de la cosecha. Mucho más tarde se convirtió también en danza indispensable en los salones de la burguesía catalana, y llegó finalmente al siglo XX como una danza de juego infantil.
-"Cançó de batre", canción de carro, es una tonada popular de trabajo que se ha conservado con mayor pureza en Mallorca. Se canta a capella, con una extraordinaria técnica vocal, como en todas las canciones de este tipo, y así nos la canta Joan Manuel, desintrumentalizada y conservando los "¡arre!" (arri!) que se supone lanza el cochero a su mula mientras canta y conduce su carro.
-"El rossinyol", el ruiseñor, es la mejor canción de todo el disco, por su acompañamiento musical, por la cuidada interpretación vocal de Serrat y por lo delicioso de la letra. El tema, clásico donde los haya, es el de la muchacha mal casada y a la fuerza, que le da a un ruiseñor un mensaje para su madre, pues ha perdido el rebaño que su marido le hizo cuidar y con el que su padre la hizo casar a la fuerza. Es el típico tema de desesperación ante una situación insoportable.
-"La presó de Lleida", la prisión de Lérida, es la canción que cierra el disco. Con un acompañamiento fúnebre, nos cuenta de cómo la hija del barón se conmueve al oír la canción de los presos y pide su indulto al padre. La canción tenía otras variantes, siendo una de las más famosas "La presó de Napols". Si, tal vez, haya en el disco alguna canción con intención política, sin duda es ésta, en lo tocante a los presos políticos: se podría argumentar que no, porque la letra de la canción es así y no tiene ningún añadido; pero se podría argumentar también que sí, porque fue el propio Joan Manuel Serrat el que decidió cantar esta hermosa canción: no sería la primera, ni la última vez, en que un cantante en lugar de crear un texto de protesta cogiera para la misma finalidad un texto antiguo tradicional o popular, asegurándose de esta manera escapar, aunque fuera en cierta medida, a la censura y a la sospecha. Pero si tal vez Serrat no quiso darle ninguna intención política, sí se la dio Marina Rossell cuando tomó en 1970 esta canción y la cambió la letra, sustituyendo a la hija del barón por el carcelero (y cambiando así totalmente el sentido de la canción) y al barón por el gobernador.

En conclusión, si bien el disco, raro, podríamos decir, en comparación con toda la discografía de Serrat en general, no supone un grupo de canciones reivindicativas, ni una reinvención de la canción tradicional, sino una interpretación tal cual, pero sin caer en el purismo propio de un cantante de música de raíz, constituye un buen y gran trabajo, agradable y delicioso al oído.

El Recital de Madrid

Sat, 25 Aug 2007 17:30:05 GMT

Título
El Recital de Madrid
Intérprete
Raimon

DISCO 1

La nit
So qui so (Joan Timoneda)
Qui ja ho sap tot
El País Basc
Al vent
Sobre la por
Sobre la pau
T'adones, amic
T'he conegut sempre igual
Inici de càntic en el temple (Salvador Espriu)

DISCO 2

Jo vinc d'un silenci
Quatre rius de sang
Es veu
18 de Maig a la Villa
Indesinenter (Salvador Espriu)
La muntanya es fa vella
Quan jo vaig nàixer
Cançó del remordiment
D'un temps, d'un país
Diguem no
Sobre la por
Diguem no

Música: Raimon
Letras: Raimon, salvo allá donde se especifique
Grabado en directo el 5 de Febrero de 1976 en el Pabellón de Deportes de Madrid

Comentarios. El Recital de Madrid es uno de los mejores discos en directo de la canción de autor de los años 70. Grabado el 5 de Febrero de 1976 en el Pabellón de Deportes de Madrid, el recital tuvo primordialmente una importancia política antes que musical. Dicho concierto se celebró en pleno inicio del intento de una apertura democrática a la que era opuesto parte del gobierno, al igual que su entonces presidente Carlos Arias Navarro (el denominado "búnker"), a pesar de haber concedido ciertas amnistías parciales a algunos presos políticos. El año 76 fue especialmente revuelto, especialmente por esa oposición a la apertura que el "búnker" llevaba a cabo mediante la represión policial, la huelga casi general que había en las principales ciudades, las manifestaciones pro-amnistía y, por si todo esto fuera poco, los atentados de ambos signos que no hacían presagiar un buen desenlace al cambio democrático. En este marco revuelto es en el que Raimon pretende hacer cuatro recitales en Madrid, siendo este disco el testimonio sonoro del primero de ellos.
Tanto el cantante como la organización quisieron impregnar el concierto con un marcado cariz político en el que se intentara simbolizar la unidad de las fuerzas políticas de izquierdas. Para ello, la organización reservó una fila 0 en la que se sentaron el socialista Felipe González, Simón Sánchez Montero, uno de los dirigentes del PCE; y el héroe sindical Marcelino Camacho, casi recién salido de prisión gracias a la primera amnistía parcial otorgada, entre otros líderes políticos y sindicalistas (algunos de los cuales no se portaron demasiado bien con el cantante de Xátiva al llegar al poder). La audiencia recibe a estos invitados al grito de "¡Unidad, unidad!". Para Raimon, por su parte, el concierto también está marcado tanto política como personalmente; personalmente porque fue la primera vez en ocho años que tocaba de nuevo en Madrid debido a la prohibición que le impusieron tras el recital ilegal que dio en la Facultad de Económicas (hoy Geografía e Historia) de la UCM; y políticamente, porque, como explica al principio del recital, éste le iba a servir para cantar todas aquellas canciones que le habían venido siendo prohibidas interpretar en público.
Ese ambiente de revuelta política se puede oír perfectamente en las voces del público: lo primero que se oye al reproducirlo son los gritos de "¡Unidad!", "¡Amnistía!" y "¡Libertad!" que lanza el público. Se nota también en la manera tan fervorosa con la que el público recibe las más significativas de Raimon, consiguiendo que el concierto fuera mitad mitin político, mitad recital musical. Lo que no recoge el disco, pero que explicaría Raimon después, fue que el que mandaba en los policías que allí vigilaban a la audiencia amenazó con gasear el local porque oía injurias al rey y vivas a la república; en esa ocasión, la sangre fría de Anna-Lissa, la esposa de Raimon (destinataria de aquel precioso "Com un puny") evitó una catástrofe al aconsejar al policía hablar con sus superiores antes de proceder.
El concierto transcurre entre los gritos de la audiencia enfervorecida, sintiendo la libertad por fin de gritar en los conciertos, con Raimon presentado cada una de las canciones y traduciendo total o parcialmente sus letras o las de Espriu o Timoneda. Dentro de todo su repertorio, hay una canción que escapa a la significación política del resto: se trata del poema "So qui so" del poeta catalán del siglo XVI Joan Timoneda, siendo prácticamente ésta la única canción de "amor cortés" que Raimon interpreta. El cantante de Xátiva comienza su actuación con una de sus canciones más antiguas, "La nit", una canción que muy al principio solía escapar a la tijera del censor gracias a su juego de símiles y metáforas y que consistía en una comparación entre la dictadura y la noche entendida negativamente. Desde ahí repasa toda su historia político-musical. Entre sus propias letras cuenta, entre otras, con canciones tan emblemáticas como "T'he conegut sempre igual", dedicada al perseguido político Gregori López i Raimundo; el poema solidario "El País Basc", una canción que se solidarizaba con el pueblo vasco al tiempo que denunciaba la represión que sufrían, fue uno de los más aplaudidos; la canción dedicada al "Che" Guevara, "Sobre la pau"; el canto a su tierra en "Quatre rius de sang"; y dos históricas de las más prohibidas: la épica "Al vent", que confiesa haber escrito a los 18 años con toda su inocencia, pero también con toda su fuerza, y "Diguem no", esa estupenda balada que denuncia y renuncia a un mundo violento e injusto. Muy significativa es la inclusión de "18 de Maig a La Villa" (18 de Mayo en La Villa), que expresa las emociones que tanto él como el público sintieron durante aquel recital en la Universidad Complutense el 18 de Mayo de 1968. Interpreta también dos canciones inéditas como son la queja de clase de "Jo vinc d'un silenci" y "Es veu", una irresistible balada cargada de esperanza. Canta también dos canciones hechas sobre los poemas de su poeta contemporáneo favorito, Salvador Espriu, que la audiencia madrileña había conocido gracias a él: "Inici de càntic en el temple", dedicada al poeta Joan Salvat-Papasseit, e "Indesinenter", palabra latina que significa "incansablemente". Además el cantor valenciano sufre una graciosa anécdota cuando quiere interpretar temáticamente "Sobre la por" y "Sobre la pau" seguidas: al arrancarse con la primera sufre un tremendo de amnesia: "Mig perdudes¡Qué equivocación!... Perdonad". Intenta recuperar los acordes al tiempo que explica que no la canta muy a menudo (es decir, que no le dejan). "¡Pues no la toco!", bromea, pero promete ensayarla en el descanso y tocarla en la 2ª mitad del recital que se recoge en el 2º disco, y efectivamente, aunque pretendía finalizar con "Diguem no" toca la canción que se le resistía.
No obstante, la audiencia insiste en que no acabe, y Raimon les explica que quiere tocar los cuatro recitales enteros, para lo cual tiene que estar en forma. Aún así ofrece un bis tocando "Una canción que vosotros habéis hecho vuestra porque la habéis cantado mejor que yo: "Diguem no".
Aun así, al día siguiente el ministro de la gobernación, Manuel Fraga Iribarne, al igual que haría con otros espectáculos, suspendió los otros tres recitales seguramente debido al informe policial de aquel señor que quería gasear el local. Este hecho aparece en el disco: se pueden observar en la portada una serie de cuatro números racionales que representan una cuarta parte de los cuales todos están tachados menos el 1/4, al tiempo que el diseño del título asemeja aquel temible sello de la gobernación civil que prohibía o limitaba los espectáculos y los textos.
Este disco, a mí entender, es uno de los más importantes de la canción de autor catalana y española en general, y uno de los directos más potentes. El hecho de que plasme, gracias al público, un momento político y social de especial relevancia para el país, le hace ser un documento importante no sólo a nivel musical, sino también histórico.

Cantautores para la libertad

Mon, 13 Aug 2007 13:40:42 GMT

Título
Cantautores para la libertad
Intérprete
Varios

CD 1:

Joan Manuel Serrat: Para la libertad (Miguel Hernández/ J. M. Serrat)
Luis Eduardo Aute: Al alba (L. E. Aute)
Víctor Manuel y Ana Belén: La muralla (Nicolás Guillén/ Quilapayún)
Lluís Llach: L'estaca (Ll. Llach)
Labordeta: Canto a la libertad (J. A. Labordeta)
Violeta Parra: Gracias a la vida (V. Parra)
Pablo Guerrero: A cántaros (P. Guerrero)
Ana Belén (con Antonio Flores): Sólo le pido a Dios (León Gieco)
Jarcha: Libertad sin ira (Rafael Baladés-Pablo Herrero-José Luis Armenteros)
Cecilia: Un ramito de violetas (Eva Sobredo)
Aguaviva: Poetas andaluces (Rafael Alberti/ Manolo Díaz)
Quilapayún: El pueblo unido jamás será vencido (Quilapayún/ Sergio Ortega)
Amancio Prada: Libre te quiero (Agustín García Calvo)
Luis Pastor: Vamos juntos (Mario Benedetti/ Luis Pastor)
Olga Manzano y Manuel Picón: Tu risa (Pablo Neruda/ M. Picón)
Javier Ruibal: Tierra (J. Ruibal)
Rosa León: Palabras para Julia (José Agustín Goytisolo/ Paco Ibáñez)
Quico Pi de la Serra: Cançó mansa (Pi de la Serra)
Bibiano: Negra sombra (Rosalía de Castro-Xan Montes Capón)
Manuel Gerena: Canto a la unidad de verdad (M. Gerena)

CD 2:

Joaquín Sabina: Una de romanos (J. Sabina-P. Varona-J. Mora-A. García de Diego-E. Cribazos)
Víctor Manuel: Asturias (Pedro Garfias/ V. M. San José)
Pablo Milanés: Yolanda (P. Milanés)
Javier Krahe: Señor juez (Javier Krahe)
Carlos Cano: Las murgas de Emilio el Moro (C. Cano)
María del Mar Bonet: Què volen aquesta gent (Lluís Serrahima-Mª del mar Bonet)
Mercedes Sosa: Alfonsina y el mar (Félix César Luna/ Ariel Ramírez)
Benito Moreno: España huele a pueblo (B. Moreno)
Vainica Doble: Déjame vivir con alegría (Carmen Santonja-Gloria van Aarsen)
Hilario Camacho: Cuerpo de ola (F. Escalada-H. Camacho)
Marina Rossell: Pirates i bandolers (Rosa Leveroni/ M. Rossell)
Inti-Illimani: Venceremos (Claudio Iturra-Sergio Ortega)
Joaquín Carbonell: Me gustaría darte el mar (J. Carbonell)
Rafael Amor: No me llames extranjero (R. Amor)
Imanol: Zure tristura (Xabier Lete-Imanol)
Nuevo Mester de Juglaría: Batalla de Villalar (Luis López Álvarez/ popular)
Marisol: Galería de perpetuas (Pedro Cobos-José Nietos)
Antonio Mata: Cuarenta lobos negros (A. Mata)
Antonio Resines: Hanoi, capital de gloria (Ho Chi Minh/ A. Resines; ad. A. Resines)
Luis Emilio Batallán: Agardaréi (Celso Emilio Ferreiro/ L. E. Batallán)

CD 3:

Víctor Jara: Te recuerdo, Amanda (V. Jara)
Chicho Sánchez Ferlosio: Gallo rojo, gallo negro (C. Sánchez Ferlosio)
Víctor y Diego: A volar (Víctor y Diego)
Nuestro Pequeño Mundo: Los campanilleros (F. Jiménez Montesinos/ popular)
Lole y Manuel: Nuevo día (M. Molina)
Almas Humildes: Cuervos (Antonio Resines)
La Bullonera: Estamos hablando de la libertad (M. Anós/ Javier Maestre)
Adolfo Celdrán: General (Bertolt Brecht/ A. Celdrán)
Quintín Cabrera: Los reyes son los padres (Q. Cabrera)
Joan Isaac: A Margalida (J. Isaac)
Los Lobos: No me paguen porque cante (Nicolás Guillén/ Sergio Acshero)
Elisa Serna: Se va a caer el porvenir (E. Serna)
Ramón Muntaner: Escric el nom (Paul Eluard/ Pere Quart/ R. Muntaner)
Patxi Andión: Rogelio (P. Andión)
Juan Ignacio y Pat: El cóndor pasa (M. Clavero-Daniel A. Robles/ popular)
Paco Muñoz: Què vos passa, valencians? (Toni Mestre/ Paco Muñoz)
Nuberu: Aída Lafuente (M. Blanco Peñayos/ Chus Pedro)
Manuel Toharia: Filisteos (Philistins) (J. Richepin/ Georges Brassens/ ad. M. Toharia)
Ovidi Montllor: Homenatge a Teresa (O. Montllor-Mengual)
Joaquín Díaz: En el frente de Gandesa (tradicional, ad. J. Díaz)

2004
Idea original de Paco Gamarra y Estudio José Puga

Comentarios. Rompiendo mi tradición de comentar discos clásicos, cuanto más desconocidos y/ o históricos mejor, hoy expongo una de las más recientes recopilaciones de la canción de autor española y latinoamericana. Cantautores para la libertad es una recopilación que intenta reunir a los cantautores y canciones más importantes, influyentes o famosas de la canción de autor izquierdista española y los cantautores latinoamericanos que más influyeron en España. No obstante, y a pesar de lo bueno de la selección generalmente, es una idea que queda traicionada en el producto final al incluir temas de finales de los 80 o de los 90.
Abriendo el disco el tema de Serrat sobre un poema de Miguel Hernández que da nombre al disco, nos encontramos con tres volúmenes con 20 canciones cada una que contienen desde musicaciones de poemas como Goytisolo, Hernández o Guillén, hasta geniales composiciones propias, pasando por variaciones de temas tradicionales. Al ser un recopilatorio, como nos pasa a todos, nos sobran cosas o nos faltan cosas: así que sólo expondré mi humilde opinión.
-Lo mejor: el recopilatorio es una perfecta puerta para conocer a cantautores o grupos tan olvidados como Antonio Resines, Los Lobos o Manuel Toharia, bien sea por lo exiguo de su obra, bien sea por la ingratitud de las discográficas y las historias oficiales de la música popular española. Entre otros, destacaría algunos temas que llegan a ser hasta sorprendentes: la canción republicana "En el frente de Gandesa" en boca del etnólogo y músico Joaquín Díaz, interpretado en directo; el ardiente "Canto a la unidad de verdad" del cantaor Manuel Gerena; la fascinante interpretación del tema tradicional andaluz "Los campanilleros", y, en general, todo el disco.Y es de muy agradecer que se cuente con la presencia de uno de los cortes del disco que Antonio Resines y Teresa Cano (aunque sólo aparezca el nombre de Antonio) hicieron con poemas de Ho Chi Minh, ya que tengo entendido que es un LP inencontrable. Con estos temas tan desconocidos hoy en día, es toda una sorpresa agradable.
-Lo peor. Siendo consciente, como digo, que no es fácil realizar un recopilatorio (dinero, tiempo y la capacidad limitada que imponen ambos, junto al criterio del seleccionador, que puede no coincidir con el mío), me voy a guiar simplemente por mi subjetividad. Por supuesto, me doy perfecta cuenta de que, por las razones aducidas, no pueden estar todos (sería enciclopédico), así que sólo hago notar los que me faltan, no sin ciertos reproches porque su ausencia implique la inclusión de otro tal vez menos importante o significativo. Primero lo que me falta:
Mi primera queja se debería a la poca representación de los cantautores vascos en el disco, de los cuales el único representante que encontramos es al genial Imanol; en mi opinión no se puede pasar por alto a un Laboa, a un Lertxundi o a una Iriondo. Podría ser como cualquier otra ausencia, pero esa tendencia a dejarlos un poco de lado nunca me ha gustado, aunque probablemente no sea éste el caso. E incluso podríamos llegar a pensar mal, pues el tema elegido es la fantástica "Zure tristura", que es de los años 90, y no ninguno de sus clásicos de los 70 como "El pueblo no olvidará", "Oskorria-Burgos 1970" o "Euskadin Kastilla bezala", que se podrían considerar algo compremetedores.
Con los gallegos pasa otra de lo mismo: están Bibiano y Batallán, ambos dignos representantes, pero me falta Benedicto, y no hablo por mera cortesía o cariño, sino porque fue de los primeros en hacer canción de autor en gallego; yo hubiera, y que me perdone, sustituido a Batallán por Benedicto, o incluso por Xavier González del Valle, simplemente porque Batallán es más tardío mientras que estos otros dos nombres fueron los fundadores de la Nova Canción Galega.
Los catalanes, valencianos y baleares están bien representados generalmente, pero todavía no me explico la injustificada ausencia de Raimon. Así como en castellano tampoco me explico la ausencia de Paco Ibáñez, aunque esté representado en la versión que Rosa León hace de su canción sobre un poema de Goytisolo "Palabras para Julia". Respecto a la música latinoamericana me falta Atahualpa Yupanqui.
Sobre lo que me sobra: las primeras canciones que nos encontramos no invitan precisamente a comprar el disco, pues son de sobra conocidas y repetidas hasta la saciedad en recopilatorios propios o colectivos; cualquier seguidor de la canción de autor clásica tiene por lo menos cuatro veces "L'estaca", "A cántaros" o "Al alba", y casi todo el mundo las ha oído alguna vez. Su inclusión como canciones representativas choca frontalmente con la exclusión de Raimon y Paco Ibáñez, pues no está claro si pretendieron hacer un recopilatorio de canciones representativas, de las más vendidas, de las más famosas o de las más curiosas, ya que, en mi opinión, "Un ramito de violetas" no es ni de lejos la mejor canción de Cecilia; pero por otro lado, de Pi de la Serra no ponen uno de sus clásicos como "El burro i l'àguila" o "L'home del carrer", sino otra más desconocida. Y, como no, debo protestar enérgicamente por la inclusión de "Libertad sin ira", otro tema repetido hasta la saciedad que no es el mejor de Jarcha lo mires por donde lo mires: no comparado con la "Copla que está en mi boca" o "Retratos de Andalucía". Tampoco me hace mucha gracia la repetición de las apariciones de Víctor Manuel y Ana Belén: cada uno aparece dos veces, una en solitario y otra en dúo cantando "La muralla": sinceramente, yo hubiera quitado ésta y "Libertad sin ira" por haberse repetido hasta la saciedad, y no hubiera puesto el dúo Víctor Manuel y Ana Belén, ya que resulta reiterativo al haber puesto ya un tema de cada uno de ellos.
Hay, no obstante, una presencia que considero justa pero prescindible respecto a las grandes ausencias. Marisol, tras su metamorfosis, nos canta una espléndida canción anti-machista como ésta; si bien es verdad que en cierto punto de su carrera, antes de retirarse, cantó canciones con contenido social, no considero yo que aquí su presencia esté justificada del todo frente a las ausencias de gente que llevaba más tiempo trabajando en estos temas, dicho todo con el máximo respeto (la canción, no obstante, me parece una de las mejores del disco).
En definitiva, Cantautores para la libertad me parece un gran trabajo, muy completo, en el que no entiendo la inclusión de canciones demasiado trilladas frente a otras mucho mejores en algunos casos, quizá porque hayan sido la más famosa del repertorio (que no la más significativa en ocasiones); ni la exclusión de nombres tan imprescindibles como Benedicto, Paco Ibáñez, Raimon o Atahualpa Yupanqui. Sólo puedo intentar ser justo y comprender dos cosas: la primera, el proceso de selección, limitada por el tiempo y el dinero (¿hubiera sido factible y rentable un 4º volumen?); la segunda, que tal vez tales ausencias se deban o a la negativa de los propios artistas, o quizás a la competencia entre discográficas. Podemos finalmente resumirlo como un buen recopilatorio, que es lo que es al fin y al cabo, con agradables sorpresas. Tendremos que esperar más a un trabajo unitario que reúna igualitariamente a todos, incluso a los cantores portugueses (si incluyen a los latinoamericanos, ¿por qué no a los portugueses?) y lo trate históricamente.

Los unos por los otros. Paco Ibáñez en el Olympia

Sat, 23 Jun 2007 17:24:35 GMT

Título
Los unos por los otros.
Paco Ibáñez en el Olympia
Intérprete
Paco Ibáñez

Disco 1

Déjame en paz, amor tirano (Luis de Góngora)
Es amarga la verdad (Francisco de Quevedo)
Lo que puede el dinero (Arcipreste de Hita)
Nocturno (Rafael Alberti)
Soldadito boliviano (Nicolás Guillén)
A galopar (R. Alberti)
Canción del jinete (Federico García Lorca)
Coplas por la muerte de su padre (Jorge Manrique)
Y ríase la gente (L. de Góngora)
Como tú (León Felipe)
España en marcha (Gabriel Celaya)

Disco 2:

Balada del que nunca fue a Granada (R. Alberti)
Proverbios y cantares (Antonio Machado)
Palabras para Julia (José Agustín Goytisolo)
Érase una vez (J. A. Goytisolo)
La mala reputación (Georges Brassens; adap. por Pierre Pascal)
Me llamarán (Blas de Otero)
Me queda la palabra (B. de Otero)
Villancico (Gloria Fuertes)
Me lo decía mi abuelito (J. A. Goytisolo)
Un español habla de su tierra (Luis Cernuda)
Andaluces de Jaén (Miguel Hernández)
La poesía es un arma cargada de futuro (G. Celaya)
A galopar (R. Alberti)

Comentario: Tal vez sea este el disco que más gente tiene en sus casas de una manera u otra, ya que resume somera pero apasionadamente la trayectoria de Paco Ibáñez hasta ese momento, y son las canciones de este disco las que todo el mundo se sabe, al igual que pasa con el "Dedicado a Antonio Machado" de Joan Manuel Serraat.
Pero en realidad hablamos de dos discos, o incluso tres, y una sola actuación. En diciembre de 1969, Paco Ibáñez actúa en el Olympia: esa actuación será grabada y distribuida en un dico doble tanto en España como en Francia, siendo ambas ediciones bastante diferentes entre sí. Las ediciones del 69 llevaban el título Les uns par les autres/ Los unos por los otros; en el año 2002, "A flor de tiempo" reeditó la grabación con partes que habían sido cortadas y/ o censuradas. Rodeado de familiares, amigos y diversas personalidades españolas y francesas, Paco toca para un público compuesto por españoles y franceses admiradores de las voces cantantes de la oposición lírico-política. Durante esas horas, Paco, repasando su carrera, repasa a la vez la historia poética castellana, arrancando con Góngora, Quevedo y el Arcipreste, pasando por Alberti, Hernández y León Felipe, hasta Celaya, Goytisolo y de Otero. El hecho de que, a pesar de ser en un teatro tan grande como el Olympia, el evento tiene cierta familiaridad debido a que Paco dejó a parte de la asistencia subir al escenario, facilitando así una relación de complicidad entre el cantante y su público. El público se muestra bastante receptivo, y no faltan los coros de "Amnistía y libertad" y "Libertad", al tiempo que se jalea a Paco al grito de "¡Paco! ¡Paco!". Incluso es imposible que en la edición española del 69, tras "España en marcha", impedir que se oyera muy soterrada, pero a la vez my nítidamente, a alguien gritar "¡Franco asesino!". Paco se siente como en casa, y decide terminar la actuación con un bis: su canción más popular de entonces, y que desde entonces le ha acompañado, pues se convirtió en el símbolo de la lucha anti-franquista (hasta ser peligrosamente reconocible, como "L'estaca" o "Al vent"): "A galopar", sobre un poema de Rafael Alberti llamado "Galope"; Paco invita a su público a acompañarle en el canto, haciendo una pequeña broma sobre la pronunciación francesa (C'est pas "A galopag, a galopag, hasta enteggag-los en el mag") y diciendo "vous comprometès avec moi" (os comprometéis conmigo): así termina el recital, con todo el Olympia viniéndose abajo al corear aquellas sentenciosas estrofas de Alberti. Es, sin duda alguna, uno de los mejores directos que existen, con un público entregado y participativo y un Paco Ibáñez que presenta una a una las canciones con una pequeña historia y una breve reseña para el autor de cada uno de los poemas. La única canción que no es un poema castellano es "La mala reputación", una versión hecha por Pierre Pascal para él del clásico de Georges Brassens "La mauvais repútation".
La reedición del 2002 en formato digital permitió incluir muchas más frases de las presentaciones que Paco hacía de las canciones, algunas eliminadas por economía y otras por otras razones. Se añade además una canción que no fue incluida en su día, "Un español habla de su tierra", de un poema de Luis Cernuda que habla sobre el exilio político. También se incluye la ligera variación que se produjo en "Proverbios y cantares": en la del 69, se respetaba el verso de Machado "una de las dos Españas ha de helarte el corazón", mientras que en esta dice "una de las dos Españas te ha helado el corazón".

más información en: http://www.aflordetiempo.com/webNova.htm

Cantar i callar

Wed, 16 May 2007 16:35:44 GMT

Título
Cantar i callar
Intérprete
José Antonio Labordeta

Aragón
Todos repiten lo mismo
Los masoveros
Yo soy igual
Los leñeros
Palabras
Las arcillas
El poeta
Cuando se agosta el campo
La vieja
Por el camino del polvo
Dónde se van
Canción para una larga despedida

letra y música: José Antonio Labordeta
año de edición:

Comentario: Cantar i callar es el primer LP de Labordeta, después de que secuestraran su primera grabación poco antes de salir durante el estado de excepción de 1968 ó 69. Lo primero que uno encuentra en este disco, a modo de prefacio y de prólogo -como todo buen libro- son dos dedicatorias. Una, la de Ovidi Montllor, en catalán (el disco se edita en Barcelona, de ahí la "i" latina en vez de "y"), dándo la bienvenida al cantor maño, como una nueva flor que nace en el esfuerzo, insistiendo en sus papeles de buenos vecinos que de cuando en cuando, si lo necesitan, se dejan un poco de azúcar. La otra es la del filólogo Manuel Tuñón de Lara, que comineza con un escueto análisis de la canción protesta en general y de Labordeta en particular; Tuñón nos da la clave para entender al poeta aragonés: al contrario que algunos cantantes y poetas, Labordeta no canta al hombre o al pueblo: se pone a su lado; Labordeta es del pueblo. Pero centrándonos en el material del disco, no hay más remedio que darle la razón a Manuel Tuñón de Lara.
En este disco nos presenta todo Aragón, con sus problemas de entonces: la explotación del campesino, la emigración hacia el pueblo o a las ciudades, a veces de una manera expícita, otras dentro de una anécdota o historia, como en "La vieja", bello poema dedicado tal vez a alguna anciana de su familia, en la que la vieja espera el regreso de hijos y nietos. Podríamos también remarcar la primera canción del disco, que desde entonces le ha acompañado por su caminar: "Aragón", el himno extraoficial y realista de la región que un día dominó el Mediterráneo. Sin embargo, Labordeta no se para sólo en su región, sino que canta para todos. Destaquemos por ejemplo su "Palabras", una canción al más puro estilo brasseniano en donde habla de la utilidad o no utilidad de las palabras; también "El poeta", dedicado a su hermano, el poeta Miguel Labordeta, que le sirve también para presentar cómo tiene que ser el poeta y la poesía de su tiempo. En definitiva, Cantar i callar es un documento imprescindible, bien elaborado, en donde ya encontramos todo el universo literario y las preocupaciones del poeta aragonés: la tierra, es decir, Aragón, sus gentes, y la humanidad entera.

Silencio

Sat, 24 Mar 2007 17:02:18 GMT

Título

Silencio

Intérprete

Adolfo Celdrán

A la voz de un pueblo (Adolfo Celdrán)
Canción de la novia del pescador (letra: Jesús López Pacheco, música: A. Celdrán)
La cruzada de los niños (Bertolt Brecht-A. Celdrán)
Doña María (Nicolás Guillén-A. Celdrán)
¡Qué pena! (León Felipe-Carmina Álvarez)
La mala pesca (letra: López Pacheco, música: Hilario Camacho)
El sastre de Ulm (letra: B. Brecht-A. Celdrán)
Canción a las 6 de la mañana (A. Celdrán)
Canción del pescador (letra: Carlos Álvarez, música: A. Celdrán)
Canción bailable (J. López Pacheco)
Una canción (J. López Pacheco)
General (Bertolt Brecht-Adolfo Celdrán)
Bella ciao (Popular italiana)
Cajitas (Mavina Reynolds, adaptación A. Celdrán)

1970

Comentario: éste es el primer LP de Adolfo Celdrán, un cantautor, a mi entender, imprescindible. La portada es del pintor Juan Genovés, y el disco fue aclamado como el mejor del año por la crítica (Bourbon's street, 1971). En realidad, éste no es el disco original, pues aquél comprendía sólo hasta "Una canción"; esta edición especial comprende como bonus extra tres de sus primeras canciones, incluidas en su primer EP. El título Silencio hace referencia al tema central de la primera canción del disco, cuya letra es de su autoría, y está dedicada a personajes tan importantes como Raimon, Berlanga, Bardem, Pi de la Serra, Lluís Llach, Ángel González... El disco comprende, además de las letras de Celdrán, letras de poetas tan importantes como Nicolás Guillén, Bertolt Brecht, León Felipe y Jesús López Pacheco; y además de su música, contó con la aportación de amigos como Hilario Camacho y Carmina Álvarez en "La mala pesca", de López Pacheco, y "¡Qué pena!", de León Felipe, respectivamente. Escritas y compuestas por Adolfo Celdrán son "A la voz de un pueblo", un feroz alegato contra la censura, la represión y el terror encarnados en el silencio -símbolo sempiterno en los cantautores vía poetas de la Generación del 50- y, a la vez, una llamada esperanzada a romper ese "criminal silencio", y "Canción a las 6 de la mañana", en donde ofrece un retrato realista de la madrugada en ciudades como Madrid, llenas de prostitutas, obreros descontentos, parados..., y en donde a la vez se invita a no quedarse dormido ante este panorama desolador. De Bertolt Brecht canta "La cruzada de los niños", un precioso poema inspirado en un niños polacos durante la II Guerra Mundial, y "El sastre de Ulm", una moraleja que enfrenta el idealismo y la confianza del sastre en la ciencia con la cerrazón racional del obispo de Ulm. Para ser un disco hecho en Madrid, abundan los temas de pescadores en "La mala pesca" y "Canción de la novia del pescador", dos críticas sociales basadas en el mundo difícil de los trabajadores de la mar. Por no comentar todas las canciones, sólo mencionaremos la que cierra el disco original: "Una canción", sobre un poema de Jesús López Pacheco; "Una canción", o también "Pueblo de España, ponte a cantar", supuso la donación de Celdrán y López Pacheco a la colección de himnos antifranquistas que empezaba a tomar forma: es un canto a las clases trabajadoras y un soplo de aliento a su lucha por la justicia bajo el verso: "pueblo que canta no morirá".
Sobre las tres canciones incluidas en esta edición de "Los cantautores" (ed. del Prado) decir que formaron parte del primer EP de Adolfo. "General" está basado en un poema de Brecht en el que se contrapone la voluntad humana a la de las máquinas gracias a su pensamiento, lo cual hace que el general no pueda usarle siempre. "Bella ciao" es una conocidísima canción popular de los partiggani italianos contra Mussolini que también se oyó en España en la guerra civil. Y "Cajitas" se trata de una popularísima canción escrita por la cantautora norteamericana Mavina Reynolds, bastante prohibida en sus días por su crítica; a parte de por Celdrán, la canción ha recibido numerosas versiones como la del mismo Pete Seeger o Víctor Jara, y constituye en todas ellas, al igual que en la original, toda una crítica contra la burguesía y su sistema social establecido. Huelga decir que el EP recibió el temible, pero usual, sello de "no-radiable" por parte de la censura.

Miguel Hernández

Tue, 20 Mar 2007 11:35:43 GMT

Título

Miguel Hernández

Intérprete

Joan Manuel Serrat

Menos tu vientre
Elegía
Para la libertad
La boca
Umbrío por la pena
Nanas de la cebolla (M. Hernández-Alberto Cortez)
Romancillo de Mayo
El niño yuntero
Canción última
Llegó con tres heridas

1972
Poemas de Miguel Hernández musicados y adaptados
por Joan Manuel Serrat,
excepto 6, por Alberto Cortez

Comentario: como ya hiciera con Antonio Machado, años después, el gran Joan Manuel Serrat sacó un nuevo monográfico de un poeta castellano; esta vez de Miguel Hernández. A pesar de que el nombre de Miguel entonces evocaba palabras e ideas prohibidas, peligrosas para una minoría, esperanzadoras para una mayoría silenciosa, Serrat se aleja de todo tipo de discurso político explícito, si bien es innegable que la decisión de cantar a Hernández era ya toda una declaración de principios. Serrat se muestra más interesado por el Miguel más tierno y amante; sin embargo, incluye algunas de las poesías sociales más importantes del poeta como son "El niño yuntero", "Llegó con tres heridas", "Canción última" o "Para la libertad", el cual se convirtió en todo un himno antifranquista y de la transición. Como último apunte de declaración de principios hay que decir algo de la portada: se trata de una foto del poeta recitando poesía a los soldados de la República; imagino que debió estar censurada (creo que he visto algún ejemplar con la portada oscurecida a propósito. Muchas de estas poesías serían después musicadas por otros cantautores y grupos en los más diversos estilos.

Miguel Hernández

Tue, 20 Mar 2007 10:20:29 GMT

Título
Miguel Hernández
Intérprete
Francisco Curto

Las desiertas abarcas
Cogedme-Llegó con tres heridas-Cada vez más presente
El niño yuntero
Casida del sediento
Pastoril
Déjame que me vaya
Las cárceles
Sigo en la sombra
Vals de los enamorados...
Enmudecido el campo...
A mi hijo
Canción última

letras basadas en poemas de Miguel Hernández;
música: Francisco Curto
1976

Comentario: Existen por lo menos dos discos monográficos sobre, y titulados, Miguel Hernández: el más famoso es el de Joan Manuel Serrat; sin embargo, este otro Miguel Hernández de Francisco Curto no tiene el más mínimo desperdicio. Grabado en Francia, pues Curto era uno de aquellos cantautores exiliados, el monográfico muestra una finalidad política clara: la visión del poeta inmortal sobre la guerra civil: así lo atestigua el hecho de que todos los poemas (o la inmensa mayoría) pertenecen al ciclo de la guerra civil: de la exaltación belicosa de Viento del Pueblo, pasando por la lamentación de la tragedia nacional en El hombre acecha, hasta los tristes poemas de prisión de sus últimos poemas. Ejemplos de esto son la musicación de "Déjame que me vaya", una letrilla que Miguel escribió quizás pensando en que aguien le pusiera música; o la tremenda "Las cárceles": huelga decir que los últimos poemas de Miguel, escritos en prisión, alimentaron la protesta y la esperanza de los presos políticos. Pero sería cuanto menos naïf reducir el disco a la finalidad política de la protesta: Francisco nos muestra íntegramente a Miguel: el combatiente, el poeta y el hombre: esta última dimensión nos la atestiguan musicaciones sobre poemas como el desgarrador "A mi hijo", poema que Miguel dedicó a su primer hijo, muerto prematuramente como muchos tantos otros niños nacidos en esos años de guerra, hambre y dolor; también al Miguel folklórico en "Pastoril", o al Miguel filósofo existencialista. Por esa razón, el Miguel Hernández de Francisco Curto debería de formar parte de toda discografía básica que pretendiera estudiar tanto la canción de autor como el fenómeno inherente a ésta de la recuperación de la poesía popular.

Manifiesto

Fri, 16 Mar 2007 11:03:01 GMT

Título
Manifiesto
Intérprete
Pedro Faura

Puño en alto (UPA Madrid-Pedro Faura)
Manifiesto (Alfonso Sastre-Pedro Faura)
Rosario dinamitera (Miguel Hernández-P. Faura)
Los monarco-fascistas (UPA Alemania)
De madrugada (Pedro Faura)
Jornaleros (M. Hernández-P. Faura)
Poesía del 1º de Mayo (UPA Madrid-Carlos Ariza)
Nana del campesino grande (P. Faura-Luisa C)
Juan Carlos (Popular-Pedro Faura)
Canción del esposo soldado (M. Hernández-P. Faura)
Carabanchel (P. Faura)
La ley (José Hernández-P. Faura)
Tú vencerás (P. Faura)

1976

Comentario: Manifiesto es el primero de dos discos que Bernardo Fuster, miembro fundador del grupo de folk urbano Suburbano, grabó con el pseudónimo de Pedro Faura en los días en que pertenecía al FRAP (Frente Revolucionario Antifascita Patriótico, fundado por el ministro socialista de la II República Álvarez del Vayo en los años 40). El disco en sí es íntegramente político: no hay más que fijarse en la portada, extremadamente provocativa para sus días. Por supuesto, el disco fue grabado en Alemania, pero muchos aficionados suspiraban por tenerlo y se devanían los sesos pensando en cómo pasar el disco por la frontera. Aunque la única referencia al hecho es un discurso que se puede escuchar al final de la última canción, el disco, como tantos otros de su época, surgió para reivindicar a los tres miembros del FRAP que fueron fusilados en Septiembre de 1975. Como decimos, el disco es íntegramente político: aquí sí podemos hablar de canción protesta y política; sin embargo, escapa de la tónica general de las obras demasiados politizadas, lo cuál le hace sumamente interesante incluso para hoy. Pedro musica tres canciones del período de guerra de Miguel Hernández; quizás sea también uno de los pocos cantautores que ha cantado tan ferozmente contra la figura del actual rey de España, y entonces sucesor del generalísimo, y sus seguidores; Faura canta a los presos, a los obreros y a los campesinos. Podemos decir que Pedro Faura canta por, para y, por otra parte, contra. Y nadie duda en decir que la mejor canción del disco es "Manifiesto", sobre una letra del autor Alfonso Sastre, autor teatral y activista político. En definitiva, Manifiesto es un gran disco, pero no es apto para aquellos que prefieren separar política de arte. Para mí, ahí está como testimonio fiel de unos días que ojalá no vuelvan nunca.

Cantata del exilio

Sun, 04 Feb 2007 14:52:10 GMT

Título
Cantata del exilio
"¿Cuándo volveremos a Sevilla?"
Intérprete
Antonio Resines, Antonio Gómez y otros

Narrador
Partida
Testimonio de Teresa Pamies
Muerte de Antonio Machado
Narrador
Testimonio de Pons Prades
Ángeles Sûr Mer
Testimonio de Villar Gómez
Dulce muchacha
Narrador
Celestino Alfonso
Poema de atención
Carta imaginaria a casa
Tema de los campos-Narrador
Testimonio de Mariano Constante
Jugando al fútbol
Testimonio de Mariano Constante
La escalera
Diálogo de Belchite-Liberación de París
Poema del silencio
Regreso

letra: Antonio Gómez
música: Antonio Resines
año de edición: 1976, París; 1978, Madrid

Comentario: (NOTA: ésta es una revisión del comentario publicado aquí el 4 de febrero, que estaba plagado de errores e inexactitudes. Lamento la confusión que pudiera haber generado). La Cantata del exilio supone dos cosas a la vez: forma parte de los discos de canción protesta escritos en clave épica, por un lado, y, por otro, una de las primeras propuestas serias para lo que se empezaba a denominar "recuperación de la memoria histórica". Compuesto por Antonio Resines, un importante cantautor, que fue miembro del grupo de folk-rock Almas Humildes, y escrito por Antonio Gómez, el ideólogo del colectivo madrileño Canción del Pueblo, la cantata se grabó en 1975, pero no se editó hasta 1977 por razones de la discográfica. El subtítulo hace referencia a lo que dijo Ana Ruiz, madre de Antonio Machado, que, aquejada de cierta demencia senil, no cesaba de repetir que se dirigían a Sevilla, a su casa, mientras cruzaban los Pirineos hacia Francia: Ana nunca volvió a Sevilla...
Comenzando con la carta de Franco a Hitler y una cita de César Vallejo, y finalizando con la sentencia: "Y así, el dolor se fue transformando en rebeldía silenciosa", combina temas musicales cantados e instrumentales con testimonios reales de los protagonistas de esta historia, que empieza con el exilio del pueblo español y la muerte de Antonio Machado, y finaliza con la toma de París y el regreso de algunos, pasando por los terribles campos de exterminio nazis, construidos y habitados por nuestros paisanos, y la adhesión de algunos republicanos a la famosa División Leclerc. El disco, en su mayoría, está interpretado por Resines, pero cuenta además con la colaboración de, entre otros, Teresa Cano, Pablo Guerrero, Luis Pastor o Quintín Cabrera, y cuenta con la colaboración de Carlos Tena.
Hay una nota característica a la que Antonio Gómez alude: la Cantata del exilio, a diferencia de otras como la Cantata del mencey loco de Sabandeños, Quan el mal ve d'Almansa de Al Tall, Los comuneros de Nuevo Mester de Juglaría, o la Cantata de Santa María de Iquique de Quilapayún, no contenía un himno final que sirviera de himno político para ser cantado colectivamente, ni otra reivindación concreta que la de homenajear a aquellos hombres y mujeres, precisamente porque ambos, Resines y Gómez, decidieron escapar del tono épico y vengativo que impregnaba al resto de cantatas tan de moda entonces entre el público contestatario. Tal vez fuera esto, unido a la poca preparación que tenía la sociedad española de entonces de emprender campaña alguna de un concepto tan abstracto, aunque tan presente a la vez, como es la "recuperación de la memoria histórica", lo que avocó a la cantata al fracaso estrepitoso, pero injusto, ya que la calidad de los textos de Antonio Gómez, la música de Antonio Resines y la interpretación de éste, Guerrero, Cano, Cabrera y Pastor, quedan muy por encima de cualquier propósito político, y en una obra de este calibre eso es decir bastante.
El disco supone un importantísimo documento sonoro y una alabable labor de recuperación histórica, si bien, sigue tan interesadamente velado como el día de su edición.

Forgesound

Fri, 26 Jan 2007 17:25:27 GMT

Título
Forgesound
Intérprete
Antonio Fraguas "Forges" +
Luis Eduardo Aute, Jesús Munárriz,
Rosa León, Teddy Bautista, Julia León

Los cabras locas
Mariano
Carselero, carselero
Sillón de mis entretelas
Antonio Fraguas, el "Forges"
Tía mollar
Ay Suiza, patria querida
La ventanilla
Yo no me voy
Romance del Blasillo
La vaca lechera

Letra y música: Luis Eduardo Aute y Jesús Munárriz

Año de edición: 1976

Comentario: como los mismo autores, Aute y Munárriz, explican, después de haberse reído un rato con las viñetas de Antonio Fraguas, Forges, les dio por escribir unas canciones con el espíritu de la sátira forgesiana. De aquella experiencia surgió este curioso disco, una obra emblemática -aunque olvidada- de la canción satírica. Para este proyecto, contaron además con las voces de los "vedettes de la canción mesetario-insular": Teddy Bautista, Rosa y Julia León, además del propio Forges. Los temas son los típicos de Forges: la burocracia, la evasión de capitales, las infidelidades conyugales... Por eso, cada canción cuenta con una viñeta. Es curioso que un disco tan desenfadado apareciera en un año tan convulso como el 76; pienso que los autores y sus colaboradores decidieron alejarse un poco de ellos mismos: de hecho, en la portada no aparece autor ni intérprete: la cuestión, a mi parecer, es que Forges fuera la figura principal en torno a la cual giraran los demás, y que las canciones acompañaran a las viñetas y no al revés. Por eso, aunque Forges no cante, él es el intérprete de este disco, que se cierra con la alegre melodía "La vaca lechera".

24 canciones breves

Mon, 22 Jan 2007 20:20:24 GMT

Título

24 canciones breves

Intérprete

Luis Eduardo Aute

Yo pertenezco
Pájaros de alas cortadas
Árbol
Ceremonia
La poesía es palabra
Tu piel
Perros
Dónde
De tanto
Pregunta
Lluvia
Crucifixión
Donde estará la verdad
Así es la verdad
Niño en la playa
Ausencia
Un pajarillo
El vuelo
Claroscuro
Blanco y negro
La vida que nunca os di
Viviendo
Canción póstuma
Máscaras

música y letra: Luis Eduardo Aute

Año de edición: 1968

Comentario: el 2º LP de Luis Eduardo Aute es toda una curiosidad por la belleza tanto literaria como musical que entraña. Compuesto por 24 canciones de no más de tres minutos, escritas bellamente: hay soliloquios existencialistas, planteamientos en torno a la belleza, referencias veladas a la situación de entonces, canciones de amor, de crítica... Poca gente ha conseguido decir tanto en tan poco tiempo. Hay que notar también cómo los títulos parecen ser más de cuadros que de canciones en algunos casos (recordemos que Aute es también pintor).

Oro laño mee batek...

Sat, 20 Jan 2007 11:24:08 GMT

Título

Oro laño mee batek...

Intérprete

Benito Lertxundi

Oi lur, oi lur (J. A. Agirre "Lizardi"/ Benito Lertxundi)
Asarre egon nahi nuke (Xabier Lete/ B. Lertxundi)
Zure askatasunagatik (J. A. Arze/ B. Lertxundi)
Herri-behera jota (B. Lertxundi)
Txori ttikia (J. A. Arze/ B. Lertxundi)
Euskal pizkundea (J. A. Agirre "Lizardi"/ B. Lertxundi)
Esku ezkerra (haur bati) (B. Lertxundi)
Entzun zazu (Eskoziako soiñua-B. Lertxundi)
Oria ibaia (B. Lertxundi)
Oi gure lurra (B. Lertxundi)

año de edición: 1974

Comentario: este disco supone un hito en la carrera de Lertxundi, demostrando que la Euskal kanta berria era más que folklore vasco. El título, Oro laño mee batek..., hace referencia a un verso de la primera canción, "Oi lur, oi lur", y significa: "Todo está velado por una tenue niebla...": tal vez, con la elección de este título quisiera hacer referencia al espíritu que impregna este disco: canciones de amor a la tierra, canciones sobre la identidad vasca... Lertxundi fusiona sus letras con las de poetas y cantantes como Xabier Lete, Arze y Agirre, con sus geniales composiciones musicales. Cabría destacar, como curiosidad, "Entzun zazu", canción compuesta sobre una melodía tradicional escocesa; como canción a destacar, "Zure askatasunagatik" es un canto de amor, pero no sólo de amor romántico: es un canto al amor fundado en el compromiso y la solidaridad. Es posible que Lertxundi fuera el artífice de esa tenue niebla, para escapar a la censura, puesto que es un disco compuesto de canciones muy metáforicas.

Alcabre

Sat, 13 Jan 2007 17:35:47 GMT

Título
Alcabre
Intéreprete
Bibiano

Nin listos nin parvos (Bibiano Morón)
Canción prós que nunca morren (B. Morón)
A rapaza das palabras de auga (B. Morón-Suso Quiroga)
Nosa é a rúa (B. Morón)
Temos mil razós pra soñar despertos (Vidal de Nicolás-B. Morón)
Dixo redondo (B. Morón)
O noso día segredo (A. Tovar-B. Morón)
O loureiro (B. Morón)
Opinión (Ze Ketti)
As dúas Pragas (Curros Enríquez-B. Morón)

año de edición: 1977

Comentario: este es un disco lleno de canciones con mensajes utópicos, dentro de la situación nacional, abriéndose a la nueva democracia. Bibiano es el autor de la mayoría de las letras y el compositor de todas; une a sus letras las de genios poéticos como Curros Enríquez o Vidal de Nicolás. La música constituye una suerte de uniones entre la música tradicional gallega y las innovaciones progresivas en el pop.